Station Mir

Le projet Espèces Sans Espaces s’inscrit dans la pratique artistique de Thomas Pausz, qui vise à proposer de nouvelles formes de narrations de l’environnement et des relations inter-espèces par la création d’écosystèmes médiatiques mêlant travail documentaire, fiction et création numérique.

Différents types de projecteurs de diapositives sont positionnés au sol les uns à côté des autres. 

Taotie fait usage d’une plateforme robotique mouvante pour mettre en lumière un paysage de sculptures évoquant des espaces de stockage et logistique contemporains. 

La crise environnementale et la destruction des habitats nous obligent à imaginer un avenir dans lequel la nature peut être mémorisée sous forme numérique.

Les rêves génèrent des émotions et situations simulées au plus profond de notre inconscient. 

CūBE est une installation immersive qui se présente comme une sculpture de lumière et de son. Suspendu dans l’espace, ce cube de 4 mètres de côté est composé de LED individuellement contrôlables qui réagissent en temps réel à une création sonore originale. 

Depuis de nombreuses années, Joanie Lemercier dessine de manière obsessionnelle des paysages complexes ainsi que des motifs géométriques répétitifs.

Hybride, Floating Lens est une sculpture cinétique dont le mouvement inspire la vie, l’étonnement, le changement permanent de point de vue. 

Live Dream explore les mystères du cerveau et des états de conscience modifiée. 

Sculpture immersive reprenant les codes esthétiques du château d’eau ou de la citerne, Tank, dont le titre rappelle cette parenté, est construite au chœur du Sépulcre. 

Spécimens I à XIV
(Géométries numériques tridimensionnelles)

11752 mètres et des poussières… est une vidéo qui suit le trajet erratique d’une goutte d’eau, filmée en gros plan sur une surface réfléchissante. 

Des micro-contrôleurs et des capteurs mettent en mouvement des rouleaux motorisés qui déplacent du papier autour d’un tronc d’arbre carbonisé, créant des traces archivant la mémoire du temps. 

« Je me souviens des itinéraires empruntés par mon imagination d’enfant, lorsque j’étais explorateur au long cours.

Paysages Inconscients présente des images générées par un système d’intelligence artificielle « text-to-image ». 

La sculpture paysage Minecraft Explorer est une extrapolation topographique d’une mission d’une mission d’exploration dans l’univers du jeu Minecraft Explorer. 

Flux est une installation composée de roches suspendues mises en mouvement par un mécanisme simple. Cette œuvre cinétique raconte l’histoire d’un cours d’eau disparu. 

Et si l’in/visible engage les principes des débuts de la microscopie optique, utilisant des gouttes d’eau comme lentilles et des lasers pour créer des projections lumineuses en temps réel avec des échantillons d’eau et divers micro-organismes vivant dans des lacs de la Station de biologie des Laurentides au Québec.

Douze platines vinyles disposées en cercle diffusent une messe du XVe siècle, en réponse à des données sismiques du tremblement de terre qui a secoué le Mexique le 19 septembre 2017.

Une créature flottante se déplace dans l’espace, façonnée par les forces de l’air et de la gravité.

10 Meters of Sound est une composition cinétique audio-visuelle composée de câbles élastiques tournant à grande vitesse produisant des motifs ondulatoires.

« À l’époque du son traité numériquement, Bzzz ! est une sculpture sonore qui renoue avec des méthodes de synthèse sonore primitive.

Samā‘ (du turc semâ) est un mot qui renvoie à la notion d’audition spirituelle et à une danse giratoire des derviches tourneurs soufis.

Manœuvre est un laboratoire de recherche, de création plastique autogéré par un collectif d’artistes issus de l’école supérieure d’arts et médias de Caen/Cherbourg.

Stephane Kozik croise l’univers de la céramique avec celui de l’art sonore et de la musique électronique.

Comme un explorateur, il a parcouru les souterrains de Paris pendant des jours, et a scanné les espaces qu’il a visités pour en créer une carte en 3D, un puzzle de différents endroits.

Acorán est un long plan filmé à travers les nuages du mont Teide à Tenerife. L’inquiétant paysage sonore résulte d’enregistrements sur le terrain et d’expériences électroniques.

SVNSCRNS consiste en la réalisation d’une installation audiovisuelle cinétique pour laquelle des artistes sont invités à réaliser un contenu.

Une vieille toupie que Mariska de Groot a trouvée sur un marché aux puces a été le point
de départ de cette installation immersive.

Trahir la place est une installation sonore diffusant en quadriphonie des enregistrements sonores captés le 9 mars 2011 sur la place Tahrir au Caire, pendant la révolution égyptienne.

Les Stèles binairessont des objets figurant l’impression sur un support pérenne du code binaire de différents fichiers audiovisuels issus du patrimoine mondial.

Consacrée aux archives de la vie quotidienne, Databank of the Everyday est une base de données « ultime » prenant pour modèle les banques d’images commerciales.

Depuis 1995, JODI est à la fois une URL http://www.jodi.org et un projet artistique en ligne qui exploite le langage machine en tant que valeur iconique et critique.

The Transparency Grenade (La grenade transparente) est équipée d’un ordinateur miniature, d’un micro et d’une puissante antenne sans fil.

L’œuvre en réalité virtuelle à 360°, complètement immersive donne au spectateur une expérience d’apesanteur physique.

Pulse est une invitation à la contemplation d’oscillations aquatiques, qui convoquent une métaphore du sens du cycle du vivant.

Résurgences Mnémosynes est un projet de création en arts numériques basé sur l’image d’archive. Conçue comme un espace immersif, cette machine sensible, réceptive, devient un cerveau, lieu de toutes les connexions.

Soudain toujours est une machine monumentale qui crée une sculpture d’air. Basée sur le principe d’une soufflerie aérodynamique contemporaine, la machine génère un souffle laminaire: un mouvement d’air parfaitement parallèle et sans turbulence. 

Impulse est une installation composée de cinq segments, chacun constitué de panneaux métalliques suspendus et reliés entre eux par des fils qui s’activent au gré d’une programmation lumineuse et sonore semi-aléatoire.

Trois Crinoïdes fous d’une hauteur de deux mètres sont activés par la présence du public et donnent naissance à une forme de bal improvisé.

Rouf est une installation temporaire, pensée pour le lieu « central » du festival.

Wissant est un ouvrage hors-normes dont la tranche reprend les reliefs d’une falaise. Soleil Noir montre Territoires Circonscrits, une recherche photographique. L’exposition regroupe ces deux installations.

Six formes en verre reposent au centre d’un grand plateau.

Junkyard III explore des épaves de voitures accumulées comme des vestiges archéologiques du futur – un futur qui est sous-tendu par les cultures consommatrices de pétrole, de terres rares et de métaux dont la voiture est emblématique.

Embarquement immédiat pour un voyage dans le territoire irréel de Cosmorama.

T R O P I C S dessine une orbite autour d’une exploitation agricole mexicaine. Des voix éparses semblent raviver et troubler la mémoire du lieu. En traversant la matière, le film fige le temps, les hommes et dévoile le spectre d’un paradis perdu.

Dans ce projet hors normes, sur le site témoin de la 4ème grande extinction du vivant, l’artiste révèle la beauté des paysages interprétés par les machines.

Frame perspective est issu de la série Echolyse, initiée en 2012 par Olivier Ratsi. La première version de l’œuvre a été créée au Kazakhstan à Almaty en octobre 2018.Frame Perspective grande version est la seconde itération de l’œuvre

Horizon Faille est une installation globale qui cherche à défier la gravité de la nature. Prenant appui sur deux notions dont l’artiste en a fait ses motifs principaux – les failles du paysage et l’immatérielle ligne d’horizon – elle relève autant de la poésie que de l’expérience sensorielle. La notion de faille exprime la fracture, au sens géologique.

Supraorganism est une installation réactive composée de sculptures en verre robotisées,  animées par un système de machine learning (une intelligence artificielle), et élaborée à partir de données collectées dans une communauté d’abeilles.

Une moto couplée à un dispositif horticole devient le refuge d’insectes et de végétaux. Artificiellement sinistrée, l’épave devient la proposition spéculative d’un premier plan, prêt à incorporer les paysages qui en seront demain
la toile de fond.
À travers une réflexion singulière portée sur les interactions entre les êtres humains et la nature, Paul Duncombe explore les différentes échelles du paysage. Ses recherches successives sur les banquises du Labrador, les tempêtes en mer Celtique, les forêts boréales, ou encore les terres irradiées de Fukushima, visent les mécanismes contingents qui lient ces vastes territoires avec les créatures qui s’y développent.

A la croisée de l’art sonore, de la musique et de la science, Virgile Abela est artiste associé de la plateforme MAS du Laboratoire de Mécanique et d’Acoustique du CNRS, avec qui il développe une recherche organologique où le son s’offre en expérience au spectateur dans une poétique du paysage, par l’exploitation de flux vibratoires issus de dispositifs écosystémiques en rétroaction avec le vivant. 

ORBE est le survol de deux microphones au-dessus d’un relief argenté.
C’est une vue vertigineuse d’un pôle.
C’est une station orbitale plongée dans l’obscurité.
C’est un lointain murmure sombrement métallique en cinq tours minutes.

L’exposition Unité de base et kit d’expansion propose deux créations spécifiques : une vidéo et une sculpture. Elle est présentée dans deux containers conçus et aménagés pour l’espace public : un écran de projection, et un container équipé de larges baies vitrées.

L’artiste Joris Strijbos se concentre sur la relation synesthétique et l’interaction entre les images
en mouvement et le son. Ses installations sont à la frontière de la science, de l’art et de la
technologie et s’inspirent de ses recherches continues sur les systèmes organisés complexes,
l’intelligence artificielle et les systèmes de communication biologique et sociale. Il fusionne les
comportements, les images et les sons issus des expériences menées dans ces domaines pour
former des expériences sensorielles globales.

Dans l’installation lumineuse cinétique The Abysses of the Scorching Sun (Les abîmes du soleil
brûlant), Nicky Assmann fait référence aux idées de la terre et du soleil en tant que perpétuel
mobile, au passage du temps, au fini et à l’infini, au réchauffement planétaire et au changement
climatique de notre planète, au fait que nous, les humains, faisons partie de cette existence
terrestre et que notre existence est accidentelle et éphémère en comparaison au cosmos. 

Le silence des particules est une œuvre singulière, elle n’existe pas en dehors de son temps d’exposition, il s’agit d’une sculpture de fumée. Au fond de l’espace, une imposante machine rend visible un mouvement d’air en formant un anneau de fumée qui voyage dans l’espace et le temps. Le temps est l’écriture. L’ensemble des temps qui caractérisent un anneau sont l’équivalent d’un mot. Il y a les grands fragiles, les petits massifs et rapides, les grands lents majestueux, M. Parfait, les jumeaux, les collisions…

Le terme jièjing (chinois) ou shakkei (japonais) désigne une pratique paysagère traditionnelle asiatique où l’agencement d’objets et de végétaux est conçu en harmonie avec l’arrière-plan du site investi.

Une proposition du Café des Images et de l’association L’étourneur à l’occasion de la sortie le 26 février 2017 de l’album Controlled Freaks du groupe Nooumena. L’idée est simple et intrigante : écouter l’album dans une salle de cinéma, dans l’obscurité propre à la projection d’un film. Une écoute collective, partagée, d’un objet musical fort et singulier : le rock progressif (Rock in opposition) du groupe caennais Nooumena. Déplacer cette expérience, a priori intime de l’écoute, dans une salle obscure c’est (se) poser la question des images que créée la musique, de ce que l’on partage d’invisible, l’écran vierge n’en demeurant pas moins un espace de projection (mentale).
Séquence vidéo, véritable mise en dialogue de l’image et du son, ouverture sensible à l’émotion que l’étourneur souhaite partager.

Narcisse V.3 est une mystérieuse sculpture en mouvement permanent inspirée du mythe grec. Dans la longueur de la galerie de l’école, une série de miroirs carrés ne cesse de s’activer. L’ensemble produit de multiples alternances géométriques et scintillantes, amplifiées par la puissance sonore.

Signal To Noise est une structure circulaire composée de 512 volets mécaniques à hauteur de vue tels qu’on en trouvait dans les gares et les aéroports.

Les artistes ont scanné la petite forêt située derrière la maison de Iñigo Bilbao dans les Asturies. C’est un bois mort ; les arbres meurent et les branches produisent naturellement des architectures chaotiques. Inspirés par ce paysage, ils ont développé un système d’assemblage simple de cent néons générant des structures complexes. Ces branches électroniques produisent des « comportements » lumineux et le son amplifié trouve sa source dans les champs électromagnétiques des composants électroniques des néons.

Memory Lane a été nourri des paysages de l’enfance et de l’adolescence des deux artistes dans les Asturies en Espagne. Ces paysages ont été virtuellement et scrupuleusement modélisés.

Depuis 2005, Pascal Haudressy réalise des sculptures, installations et vidéos qui se caractérisent par leur technicité et l’usage de technologies de pointe et s’inscrivent dans une réflexion sur notre relation à ces technologies.

Children of the Light (Les enfants de la lumière) réunit à Amsterdam les artistes Christopher Gabriel (Norvège) et Arnout Hulskamp (Pays-Bas). Ensemble, ils cherchent à mystifier le public en créant des installations ou des scénographies jouant avec l’ombre et la lumière.

Mark Lewis est un artiste canadien qui vit et travaille à Londres. Ses films et ses travaux d’images numériques animées sont souvent basés sur la représentation d’éléments du quotidien. Ils sont construits en utilisant le vocabulaire et les techniques cinématographiques qui offrent de subtiles allusions à une tradition du cinéma, de la photographie et de la peinture.

documentaire 52’

Industrial Soundtrack For The Urban Decay est le premier documentaire à retracer les origines de la musique industrielle, nous faisant passer des villes industrielles européennes déliquescentes aux prospères avant-gardes américaines. La musique industrielle émerge au milieu des années 70 et produit la bande son idéale et provocante de l’époque, celle des manifestations et piquets de grève dans une ère de crise industrielle, de déclin économique et d’oppression culturelle.

Circuit 03 peut être considéré comme un instrument de musique créé par Jeroen Vandesande. Il est le fruit d’une interaction et d’une mise en abyme entre un micro et une enceinte, qui au contact de l’un et de l’autre produisent une boucle sonore sans fin qui se propage à travers de long tubes en verres.

L’installation vidéo Resonant Architecture réunit sous une forme documentaire et immersive, différentes réalisations menées en Europe au sein d’architectures atypiques depuis 2006.

Cell est un instrument autonome à la forme imposante, un cylindre ouvert et dimensionné pour qu’une personne puisse y entrer et à travers lequel se matérialise des vagues de sons basse fréquence enregistrés in situ. l offre un espace d’écoute privée et agit comme un point de contact entre l’auditeur et l’architecture.

Drifting Patterns est un orgue à vent dans lequel l’énergie cinétique est convertie en pression pneumatique. Cette pression est utilisée pour produire du son dans un jeu d’orgues constitué de cinq sculptures disposées devant la salle des Remparts du château de Caen.

Parsec est une machine cinétique sonore et visuelle. Elle est constituée de seize bras identiques munis chacun de deux lumières à LED et d’un haut-parleur qui créent par rotation un schéma visuel et sonore.

Six parapluies en cascade. Une à une les gouttes d’eau glissent sur eux. Chaque rebond, capté et amplifié par des micro- contacts, émet un bruit de tonnerre sourd qui contraste avec la légèreté visuelle.

Une cloche à volée tournante, portée par un beffroi en bois, est actionnée par un moteur. Elle pivote lentement sur son axe. Très lentement. Le mouvement est à peine perceptible. La voilà «tête en bas», au point d’équilibre. Attente silencieuse. Temps suspendu. Soudain la cloche vacille, entraînée par tout son poids, elle chute, balance librement et sonne puissamment. Le son rayonne, projeté par le balancement de la cloche. Les harmoniques se développent, la résonance profonde semble infinie. Petit à petit, le mouvement ralentit, l’amplitude se réduit. La cloche retourne lentement au silence, au repos, à l’immobilité. Le moteur continue de tourner. Un nouveau cycle se prépare.

Depuis 2012, Cécile Beau et Nicolas Montgermont collaborent à la création d’installations rendant sensible les propriétés physiques de notre environnement.

Le travail d’Aernoudt Jacobs est phénoménologique et empirique. Il trouve son origine dans une recherche acoustique et technologique qui étudie comment les sons peuvent déclencher des processus acoustiques affectant notre champ de perception. Ses installations se concentrent sur un point : comment traduire la complexité et la stratification de notre environnement immédiat en une forme qui peut être véritablement expérimentée ?

Julien Poidevin est issu de l’École Supérieure d’Arts Plastiques et Visuels de Mons, artiste intermedia, il travaille sur des dispositifs qui interrogent notre rapport au corps et au territoire en faisant appel à différents modes d’expressions. Ses créations explorent et questionnent notre rapport à l’espace et à la perception.

Née en 1978 à Kyung Ki-Do en Corée du Sud, Heewon Lee vit et travaille à Paris. Jean-Christophe Bailly dans l’ouvrage collectif Paysages variations (2014) écrit dans son texte Écriture de la lumière « L’image que l’on voit dans (ce) film ne correspond pas à quelque chose dont on pourrait faire l’expérience en vrai, une telle lenteur n’existant pas pour notre perception.

L’installation Sewing Machine Orchestra invite le spectateur à observer de près la chorégraphie de douze machines à coudre orchestrée par ordinateur à l’aide de micro-contacts.

24 heures à Bourbon Street à la Nouvelle-Orléans. Bourbon St. est réalisé à partir d’une webcam diffusée en direct sur Internet. Portrait d’une rue à travers une fenêtre : fenêtre de l’ordinateur.

7 individus de tous âges, de toutes nationalités de tous niveaux techniques, dans des contextes différents et à des moments distincts se trouvent réunis dans une parenthèse temporelle autour d’une même partition.

Video Triptych (10’47 / 2013) est un projet qui regroupe trois films musicaux : Dragons, Normandia et Jun. À travers une recherche esthétique, rythmique et scénaristique basée sur le thème de la chaleur, chacune des vidéos se diffère des autres dans le travail d’écriture et les techniques de réalisation.

Il y a dans les pièces d’Alexandre Joly, un matériau qu’il emploie avec constance, les piézos. De petits haut-parleurs low-tech en forme de pastille qu’il a d’abord trouvés puis récupérés dans des cartes postales d’anniversaire ou dans des cartes musicales puis soudés entre eux, si bien qu’ils constituent un circuit — longiligne, évanescent, doré — de fils, de câbles, de filaments.

Véritable exercice de communication entre deux sculptures cinétiques en forme de fleur – dont les corolles interagissent justement en fonction des fréquences émises par l’autre – Versus ramène le principe récurrent d’interactivité du spectateur à une logique plus limitative de perturbation du dialogue entre deux machines. Destitué de son pouvoir de contrôle habituel sur ces dernières, l’humain se transforme en élément parasite d’une boucle sonore fermée produite par deux « monstres » autonomes.

329 prepared dc-motors, cotton balls, toluene tank / 2013
+ Making-of de Florian Buerki / 7’26 / 2013

Condemned_bulbes est une installation sonore et visuelle constituée d’ampoules incandescantes de 1000 W.

Nils Völker est un artiste allemand qui vit et travaille à Berlin. Il est diplômé en communication visuelle de l’Université du Bauhaus de Weimar.
Depuis 2009 il développe des projets permettant de connecter le monde physique et celui des ordinateurs en générant des œuvres poétiques à la croisée de l’art et de la technologie. Ses créations permettent souvent de visualiser des données de façon totalement inhabituelle. Il génère, par exemple, des motifs sonores et visuels avec des ventilateurs commandés par ordinateur qui gonflent et dégonflent de simples sacs plastique qui rappellent les mouvements et la musique du sac et du ressac.

Céline Duval enseigne à l’Ecole supérieure d’arts et médias de Caen/Cherbourg. Sous le nom d’artiste « documentation céline duval », elle constitue depuis plusieurs années un fonds iconographique aux sources variées : photographies d’amateurs, images de magazines ou photographies prises par elle-même. Elle les collecte, les classe et les met en relation comme pour mieux s’approprier et comprendre le monde.

Et si la photographie d’un paysage pouvait évoluer dans le temps, se transformer petit à petit, au gré des jours au rythme des saisons…

Les Street Views Patchwork forment 12 tableaux photographiques vivants qui évoluent au rythme d’un temps, celui des bases de données de Google. Composés lors de mes différents voyages dans Street View, ce patchwork d’images en temps réel forme des paysages à la géographie et au temps pluriels. Relié à Internet dans le flux qui les actualise, ces images sont susceptibles d’évoluer à chaque instant, actualisant notre vision de la réalité du monde.

A travers le temps le paysage évolue. L’objet de la photographie marque une pause et nous permet de prendre la mesure du monde qui change.

De nombreux artistes contemporains explorent l’élément eau comme matériau, matière sonore, surface de résonance ou de projection… Dans le cadre de Normandie Impressionniste la Station Mir propose deux expositions s’articulant autour de ce thème. La première exposition d’Arno Fabre coïncide avec le festival ]interstice[ et se prolongera jusqu’à fin juin.

Projection d’un ciel nuageux venté. La lumière du vidéoprojecteur met en mouvement le radiomètre solaire. Le mouvement du radiomètre détermine, via un capteur, la vitesse de l’image qui influence à son tour l’intensité lumineuse du vidéoprojecteur, bouclant ainsi le dispositif. « […] Ainsi, Bertrand Rigaux conçoit une installation hypnotique aux allures léonardiennes, qui rappelle le souci précoce de Marcel Duchamp de ne rien perdre des petites énergies, y compris les plus inframinces […] »

Dominique Païni, in Panorama 8.

D’abord, le désir d’approcher des mécanismes produisant des mouvements ondulatoires visibles et de les mettre en relation avec le développement des ondes sonores. Un pendule. Et si ce pendule était composé de segments articulés à l’horizontale, si l’effet de gravitation était remplacé par un moteur ?

Quintetto est une installation basée sur l’étude des mouvements habituels d’objets ou de créatures vivantes utilisés comme générateur de sons. Le concept de base est de révéler ce que nous appelons les « concerts invisibles » de la vie quotidienne. Les mouvements de cinq poissons dans un aquarium sont filmés par une caméra qui traduit en temps réel (à l’aide d’un ordinateur) leurs mouvements en signaux numériques sonores. Dans le dispositif présenté ici, cinq instruments de musique différents créent en direct un concert totalement imprévisible et inattendu.

Solace est une installation cinétique qui explore le processus intellectuel et l’activité physique de la vision. à intervalles réguliers, un appareil artisanal crée un écran de savon qui vient s’inscrire dans l’espace. Grâce à un éclairage précis, le mouvement interne du film de savon est révélé, montrant une turbulante chorégraphie de couleurs iridescentes et de mouvements de fluides. La gravité développant lentement son emprise sur la membrane, le spectateur reste fasciné par le phénomène, jusqu’à ce qu’inévitablement le film, fragile, éclate.

Solace est une installation cinétique qui explore le processus intellectuel et l’activité physique de la vision. à intervalles réguliers, un appareil artisanal crée un écran de savon qui vient s’inscrire dans l’espace. Grâce à un éclairage précis, le mouvement interne du film de savon est révélé, montrant une turbulante chorégraphie de couleurs iridescentes et de mouvements de fluides. La gravité développant lentement son emprise sur la membrane, le spectateur reste fasciné par le phénomène, jusqu’à ce qu’inévitablement le film, fragile, éclate.

« Pour sa première exposition personnelle, Romuald Dumas-Jandolo a conçu une installation globale dont la dimension symbolique mêle analogies avec la maison et le cabaret. Les salles présentent diverses scènes peuplées d’objets, de jouets, de dessins et sculptures, nourries d’emprunts à l’univers du cirque (boule d’équilibre, costumes, copeaux de bois disposés au sol). Romuald Dumas-Jandolo propose sa vision d’un monde de l’enfance hors normes, fantasmatique. Ce monde est habité par un personnage mystérieux, Inifinimi, dont le nom évoque une chanson paillarde liée à un souvenir d’enfance de l’artiste.

En partenariat avec l’Ambassade de Norvège en France, nous présentons le travail de trois artistes dont les pratiques performatives sont spécifiques à la Norvège. Bien que différents les uns des autres dans la forme, ils entretiennent tous un rapport particulier à la représentation et à la scène, allant et venant entre exposition et production publique. Notre ambition à travers ce choix est de promouvoir cette création norvégienne en incitant à la découverte et en suggérant très fort l’invitation à se montrer en France.

Matthieu Fromentin vit et travaille en Normandie. Issu d’une formation scientifique, l’optique joue, peu à peu, un rôle fondamental dans l’élaboration de ses œuvres. Dans ses dernières installations, lumière, fumée et brume se transforment en véritable matières sculpturales. De l’immatériel naît la forme. à partir d’images projetées, des volumes se dessinent au sein d’un « écran » tridimensionnel, virtuel et stochastique. Lumière et fumée, pureté et chaos, s’unissent, triomphent et se séparent. Avec ces étonnantes machines à sculptures éphémères, est-ce la fumée qui matérialise la lumière ou la lumière qui matérialise la fumée ?

Clément Valla est un artiste programmeur franco-américain qui vit et travaille à New York. Il est diplômé en architecture de l’université de Colombia et enseigne à la Rhode Island School of Design.

Son travail récent examine la notion d’originalité à travers les copies, la répétition et la reproduction. Il y cherche les moments où la distinction entre l’activité humaine et celle des ordinateurs est floue, voire même inversée. Ce travail met en jeu la tension entre la créativité individuelle et l’influence des algorithmes, des réseaux, et des systèmes sur l’individu.

Les imperfections permettent d’identifier un médium à la manière d’un verre devenant visible par la poussière et les rayures accumulées. Au sein du collectif ART OF FAILURE, Nicolas Maigret et Nicolas Montgermont expérimentent la capacité des technologies contemporaines à générer des langages sonores ou visuels spécifiques. Dans leur réalisations, les caractéristiques internes des médias sont rendues perceptibles à travers leurs erreurs, dysfonctionnements, états limites ou seuils de rupture, dont ils développent des expériences audio-visuelles à la fois sensorielles et immersives.